Los mejores conciertos de música clásica de agosto de 2023, repasados

Esta fascinante interpretación del gran oratorio de Handel llegó a los Proms como un alentador y edificante resplandor de gloria.

Después de una interpretación un tanto deslucida del extraño oratorio Das Paradies und die Peri de Schumann el martes, la interpretación del miércoles por la noche del oratorio Samson de Handel llegó como un alentador y edificante resplandor de gloria. Pero no fue un simple regocijo por la luz. El incendio al final tarda mucho en llegar porque el héroe pasa el oratorio envuelto en oscuridad, habiendo sido cegado por los filisteos después de ser traicionado por su esposa Dalilah. Es una doble ceguera, moral y física, y sólo al final, cuando Sansón derriba el templo filisteo, recupera su estatura.

Es un tremendo viaje emocional, retratado con enorme fuerza emocional en esta actuación de la Academia de Música Antigua. En el centro estaba el tenor Allan Clayton, quien captó la dignidad esencial de Samson así como su desesperación. La gran aria donde lamenta su ceguera, “Total Eclipse”, fue cantada casi en un susurro, pero llenó la sala y nos mantuvo hechizados. A su alrededor había un elenco magnífico que se turnaba para consolar, tentar y desafiar al héroe afligido. La soprano estadounidense Jacquelyn Stucker, en el papel de Dalilah, trinó y arrulló "escúchame, escucha la voz del amor" de una manera que era más descaradamente sexy que tierna, pero Samson no estaba dispuesto a aceptar nada de eso. Su dúo final, en el que se derramaron odio y desprecio el uno al otro, fue una de las mejores peleas musicales de gatos que he presenciado.

Otro punto destacado fue el bajo Brindley Sherratt como el hombre fuerte filisteo Harapha. Su interpretación con voz ronca del desprecio burlón de Harapha fue enormemente agradable, al igual que la furiosa respuesta de Clayton. La soprano estadounidense Joélle Harvey actuaba como la mujer israelita que encarna las esperanzas de la tribu, al igual que Jonathan Lemalu como Manoa, el afligido padre de Samson. Pero el cantante más impresionante en el escenario, aparte de Clayton, fue Jess Dandy. Es difícil hacer que el papel del amigo siempre comprensivo y sabio sea dramáticamente interesante, pero esta contralto de tono emocionantemente rico lo logró.

Igualmente decisivos para el éxito de la velada fueron el Coro de la Filarmónica, que se mostró absolutamente espectacular, y los músicos de la Academia de Música Antigua. La hermosa aria donde el ciego Sansón representa las sombras del inframundo obtuvo gran parte de su asombrosa belleza del suave susurro de los músicos de cuerda. Y no puedo dejar de mencionar la dirección fantásticamente llena de energía y al mismo tiempo relajada y flexible de Laurence Cummings. Él fue verdaderamente el otro héroe de la noche.HI

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Para su penúltimo baile de graduación como director musical de la Orquesta Sinfónica de Londres, Simon Rattle podría haber elegido una de sus emocionantes y extrovertidas piezas de fiesta, como la sinfonía Turangalîla de Messiaen. En lugar de eso, ofreció lo que debe ser el oratorio más gentil e íntimo jamás escrito, Das Paradies und die Peri (El paraíso y el Peri) de Robert Schumann, basado en una traducción al alemán de un poema “exótico” del poeta irlandés Thomas More. Aquí no hay ningún Jehová severo, sólo la encantadora descendencia de un ángel caído y un mortal que anhela ser readmitido en el cielo. Se requiere una ofrenda para tocar los corazones de las huestes celestiales, y el oratorio sigue a la Peri mientras prueba una escena de devoción tras otra, conmovedora y llena de lágrimas.

Si estás pensando que esto suena como una receta para el sentimentalismo, estarías en lo cierto. Otro problema de la pieza es su orientalismo cursi. En su búsqueda del hermoso momento, Peri visita las “montañas lunares de África” y declara en un momento “Mi fiesta es ahora del árbol de la tuba”. Sonaba mejor en alemán.

El orientalismo apenas deja huella en la música de Schumann, aparte de los momentos de tintineo de percusión “turca” cerca de Mozart, que la orquesta y Rattle interpretaron con la justa ingenuidad de “Érase una vez”. También captaron el delicado tono lastimero de la música, especialmente en la exquisita apertura, que por sí sola valió el precio de la entrada. El sonido lúgubre del oboe de Juliana Koch flotaba sobre la actuación como nubes rosadas al atardecer.

Pero algo anda mal en una actuación cuando el oboísta es lo primero que quieres elogiar, y el coro (el Coro Sinfónico de Londres) es más atractivo que los seis solistas al frente. Sólo de manera intermitente infundieron auténtica pasión a la gentileza de Schumann.

Ciertamente había un toque deslumbrante en la voz de soprano de Jeanine De Bique, interpretando a la joven doncella que se sacrifica por amor. El barítono Florian Boesch actuaba conmovedoramente como el viejo pecador cuyas lágrimas acaban por abrirle las puertas del cielo a Peri, y Magdalena Kožená hacía de ángel conmovedor. Pero los tenores Andrew Staples y Linard Vrielink no me conmovieron, al igual que Lucy Crowe, que tenía un sonido puro como debería ser un Peri, pero sin ese toque de pasión que hace que la pureza sea interesante. Quizás lo mejor de la actuación fue la tierna forma que Rattle da forma a cada momento, lo que casi me convenció de que la extraña obra de Schumann es realmente una obra maestra.HI

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Hubo muchos motivos para el auténtico asombro en Prom 48, en el que el director Jules Buckley y su orquesta ofrecieron una sincera reimaginación de la obra de la leyenda del soul Stevie Wonder. Sin embargo, lo primero que me hizo rascarme la cabeza fue un enorme teleprompter visible en la parte trasera del Royal Albert Hall para mostrar letras a los artistas en el escenario.

No estoy del todo seguro de cuánto se habría beneficiado el talentoso sexteto de coristas de las instrucciones que inicialmente decían: “Dodo do do doo dodo / Do doo dodo doo / Do doo dodo doo doooooo…”. En una versión flexible y jazzística de la canción Visions, la lectura continuaba: “Do doo doo doo…”. Se entiende la idea. Cualesquiera que sean las intenciones del transcriptor, la música que brotaba era gloriosa, casi más allá de las palabras. Los coristas liderados por Vula Malinga interpretaron esos doo doos en perfecta armonía, mientras que el virtuoso jazzista estadounidense Cory Henry chapoteaba con destreza en el órgano Hammond mientras cantaba una voz principal algo más líricamente compleja sobre cómo escapar a visiones del paraíso.

Quizás en honor al maestro, Henry usó gafas oscuras impenetrables en todo momento, por lo que no supongo que dependiera del teleprompter. Un teclista de una agilidad deslumbrante, fue el centro asombroso de este tributo a la innovadora obra maestra de funk y soul de Wonder de 1973, Innervisions, cantando con una inflexión atrevida y jazzística en el estilo vocal familiar de Wonder y cambiando hábilmente entre órgano, piano y sintetizador. La fusión con la orquesta ofreció un paisaje sonoro de rica textura para un conjunto de canciones absolutamente fantásticas, pero también me pregunté sobre los méritos relativos de las partes constituyentes.

Había otros tres teclistas en el conjunto, además de un guitarrista eléctrico, un bajista, un percusionista y un baterista tomados prestados de la banda actual de Stevie Wonder. Las cuerdas sonaban particularmente intensas llenando las baladas, y los swells, puñaladas y la interacción oscilante de la sección de trompeta eran emocionantes en los números más funky, pero era la banda eléctrica la que hacía todo el trabajo pesado. El barbudo Buckley estaba de pie en un podio, balanceándose al ritmo y apuntando con su bastón para introducir varios elementos musicales, pero en realidad su papel parecía más parecido al de director musical que al de conductor, con el ritmo de la banda manteniendo todo en su lugar.

Un bis de Superstition (del álbum Talkin' Book de Wonder de 1972) hizo que toda la sala se pusiera de pie al ritmo de un teclado Clavinet, pero cuando la carismática cantante invitada Sheléa Frazier dirigió a la multitud en una coda espontánea para cantar, fue notable que solo Los músicos de la banda saltaron para animar, mientras la orquesta miraba desde sus asientos, fuera de su elemento a la hora de improvisar. No habría interferencias hasta el amanecer.

Buckley es un fascinante aventurero en el interior entre la música moderna y clásica, que busca constantemente formas inventivas de combinar instrumentos orquestales con géneros contemporáneos. En Proms anteriores ha rendido homenaje a Quincy Jones, Nina Simone y Aretha Franklin, y en otros lugares ha trabajado estrechamente con DJ Pete Tong para reinterpretar la música electrónica de baile. No hay duda de que tiene un profundo sentimiento por esta música y no se puede discutir la alegría palpable de la ocasión. Sin embargo, una vez más me encontré deseando que se atreviera a deshacerse de su dependencia de los elementos eléctricos para anclar el sonido. ¿Será posible que los instrumentos clásicos por sí solos reemplacen a los sintetizadores y cajas de ritmos que han hecho que las orquestas sean casi redundantes en el pop? Eso sí que sería algo maravilloso.NMC

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Lo primero es lo primero, y hay que darle crédito a quien lo merece: el segundo violinista Yume Fujise, sustituto de último minuto del indispuesto Daniel Roberts del Castalian Quartet, hizo una interpretación sorprendentemente segura y completamente idiomática. trabajo en un programa largo y exigente en el recital matutino del conjunto en el Festival Internacional de Edimburgo. Lo más importante es que Fujise permitió que se llevara a cabo el estreno mundial del nuevo cuarteto Awake de Mark-Anthony Turnage.

A decir verdad, el estreno debe haber sido la menor de las preocupaciones de Fujise. La nueva pieza de Turnage era una obra tranquila, segura y profundamente reflexiva en dos movimientos lentos, cuyo título, indicó el compositor, se refería en un juego de palabras tanto a ideas políticas "despertadas" como a un velorio fúnebre, en este caso tardío para el violinista George Bridgetower. quien estrenó lo que se convirtió en la Sonata Kreutzer de Beethoven.

El nuevo trabajo de Turnage comenzó con un solo de violín angular, espinoso, al estilo Kreutzer, interpretado con total convicción y articulación cincelada por el primer violinista de Castalian, Sini Simonen. Lo que siguió, sin embargo, fue mucho menos asertivo y exigente, pero mucho más reflexivo. A través de armonías densas y espesas, a veces bastante reminiscentes de Bartók, a veces bastante jazzísticas (completas con una línea de bajo funky distintiva del violonchelista Steffan Morris) e incluso los inicios de una fuga de libro de texto para iniciar el segundo movimiento, Turnage evocaba un aire de calma tranquila. , planteando muchas preguntas sin ofrecer muchas respuestas. Si bien puede que no se hubiera propuesto sorprender y provocar, había mucho para sentarse y admirar en la artesanía natural de Awake y su confianza tranquila.

También sirvió de plataforma de lanzamiento para las otras dos piezas del concierto, estrechamente concebidas. La Sonata Kreutzer de Beethoven inspiró una novela corta de Tolstoi, que a su vez inspiró el Primer Cuarteto de Cuerda de Janáček, el telonero de los Castalians. Ofrecieron un relato tremendamente vívido y enérgico, definitivamente no para todos con sus ritmos impredecibles y de forma libre y sus ocasionales figuraciones roncas, casi sin tono. Pero fue una actuación con, apropiadamente, una historia que contar, y los jugadores de Castalian estaban decididos a contarla, incluso si algunos detalles podrían no haber sido exactamente lo que Janáček pretendía.

Irónicamente, su cierre Beethoven Op. 130 Quartet estaba sorprendentemente tranquilo, incluso vacilante en comparación: su sucesión de movimientos vívidamente despachados parecía como si el fuego y la furia de antes desaparecieran repentinamente. Los jugadores, sin embargo, se reservaron las cosas para un final trepidante y furioso de Grosse Fuge, que jugaron como si estuvieran apretados, con un retorno a la actitud y agresividad de su primer Janáček. El siempre presente tema de la fuga parecía grabado en el rock en cada aparición, pero también había mucho entusiasmo en las secciones claves del movimiento. Una actuación verdaderamente memorable.NS

El Festival Internacional de Edimburgo continúa hasta el 27 de agosto. Entradas: eif.es

Desde su estreno en La Scala de Milán hace casi cinco años, la única ópera Fin de partie (Endgame) de György Kurtág se ha visto en Amsterdam, Valencia y París, y la producción original de Pierre Audi viajará a Nueva York. El público británico ya está acostumbrado a ver versiones de conciertos en lugar de puestas en escena completas de producciones importantes que viajan por otros lugares, pero con Endgame –que presenta poca “acción”– esto importa menos, y la semiescenificación de Victoria Newlyn en el Albert Hall se sintió satisfactoriamente completa.

Quizás la respuesta más verdaderamente beckettiana que existe en la música a los escritos de Samuel Beckett, la ópera del compositor húngaro es toda quietud. Tres de los cuatro personajes están inmóviles y clavados en el escenario: el viejo Hamm, ciego y lisiado, y sus padres aún más geriátricos, Nell y Nagg, y sólo su sirviente cojo, Clov, puede moverse, aunque con dificultad. Poner esta sombría imagen en el escenario de los Proms requirió solo disfraces y los dos cubos de basura en los que viven Nell y Nagg, además de una pieza de ajedrez simbólica que alude al caballo del texto y las maniobras finales.

Kurtág tenía 92 años cuando se estrenó su ópera absolutamente sombría y, a los 97, todavía se reserva el derecho de ampliar una obra que ha subtitulado “escenas y monólogos”. Pero Endgame se siente completo. Es a la vez la quintaesencia de Kurtág – sobrio y delicado – pero diferente de cualquier otra cosa que haya compuesto por ser mucho más grande; con una duración de dos horas, representa aproximadamente una quinta parte de su producción total.

Esperar una melodía puede ser como esperar a Godot, pero hay mucho humor en la partitura, entre ellos el bostezo de Hamm tan onomatopéyicamente al ritmo de la música y el gigantesco despertador orquestal que acompaña al despertar de Nagg por parte de Clov. Desde las suaves y amenazadoras fanfarrias de metales que lanzan la obra hasta los dolorosos acordes al final, el director Ryan Wigglesworth mantuvo un control magnífico de la música y sus numerosos silencios, inspirando una notable hazaña de concentración por parte de la Orquesta Sinfónica Escocesa de la BBC.

Los cuatro cantantes estuvieron magníficos, tres de ellos habían creado sus papeles en Milán: Frode Olsen como un Hamm inescrutable, Hilary Summers aporta su etérea contralto a Nell y Nagg de Leonardo Cortellazzi disfrutando de su papel en las tiernas disputas de estas viejas brujas. Como recién llegado, Morgan Moody captó perfectamente la inquietud de Clov.

Las compañías de ópera aquí deberían haber hecho cola para presentar esta desafiante obra, una de las nuevas óperas más importantes del siglo XXI, por lo que más poder para los Proms por haber presentado este estreno británico.Y

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El baile de graduación de anoche trajo otro lleno, para un programa que no fue precisamente del agrado del público. Comenzó con uno de esos paisajes sonoros orquestales infinitamente remotos del modernista húngaro György Ligeti, continuó con el concierto para piano más íntimo de Beethoven, el Cuarto, y terminó con la más perfectamente formada y trágica de las sinfonías de Shostakovich, la Décima.

Así que hay muchas profundidades para que la Royal Philharmonic Orchestra y su director musical Vasily Petrenko las exploren. Lo cual hicieron a veces, pero la noche realmente no alcanzó las alturas. La pieza inicial, Lontano de Ligeti, necesita una perfección inhumana en la interpretación para brillar, con cambios entre diferentes tipos de música que son tan absolutos e instantáneos como un corte cinematográfico. Aquí uno o dos estaban ligeramente borrosos, lo que comprometió la encantadora interpretación en otros lugares.

En el concierto de Beethoven, la orquesta tocó maravillosamente, con la delicadeza justa y casi informal. El problema aquí era el solista Alexandre Kantorow. Kantorow, recientemente ganador del concurso de piano Tchaikovsky, el más prestigioso del mundo, es maravilloso en la música romántica, e incluso parece un poeta romántico esbelto y aparentemente distraído. Pero parecía no estar seguro de cómo manejar el concierto de Beethoven. A veces, como en la apertura modesta y casi desechable, se esforzó por lograr peso, ajustando el ritmo y deteniéndose en los detalles.

En otras ocasiones, Kantorow hizo lo contrario, enfatizando la ligereza de la filigrana plateada de la música hasta tal punto que el registro del bajo parecía desaparecer. Como resultado, la pieza parecía una sucesión de momentos interesantes, sin un núcleo de sentimiento real. Fue un recordatorio de que para hacer que esta música hable, un solista realmente necesita el coraje de ser simple. Quizás algún día Kantorow lo encuentre.

Con la décima sinfonía de Shostakovich, una pieza a menudo descrita como un retrato de los horrores del estalinismo, Petrenko estaba en su territorio natal. La orquesta ciertamente lo dio todo y hubo algunos solistas maravillosos; el sonido enorme y cansado del fagotista Richard Ion fue especialmente conmovedor. Pero en general pareció exagerarse el peso trágico de la pieza. En el tercer movimiento, de puntillas, el ritmo era tan pesado que la ironía de la música en realidad disminuyó. Y la introducción al final grotescamente alegre se tomó con tanta lentitud que perdió su carácter de introducción y pareció indulgentemente larga y sin dirección. Puede que Shostakovich sea el gran memorialista musical del totalitarismo, pero incluso sus memoriales más trágicos necesitan algo de luz y sombra.HI

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La idea de dar al público de Proms la oportunidad de elegir su propio programa de conciertos entre una lista de 200 piezas fue audaz. Pero como demostró este baile de la Orquesta del Festival de Budapest, si quieres un concierto realmente interesante, pídele a un profesional que lo planifique. Después de un proceso de votación complicado y aparentemente interminable, terminamos con una 'sinfonía' ad hoc con movimientos seleccionados de la Cuarta de Tchaikovsky, la Pastoral de Beethoven, la Séptima de Dvořák y el Escocés de Mendelssohn; todos ellos buenos en sí mismos, pero no exactamente opciones originales. Fischer apenas pudo ocultar su decepción. Y unidos, sonaban extraños. La interpretación orquestal era inusualmente tosca, como si los músicos estuvieran leyendo la música a primera vista, lo cual, por supuesto, así era.

Lo mejor musicalmente fueron las ardientes danzas folclóricas húngaras y un arreglo de “Tea for Two”, introducido por pequeños grupos de músicos para llenar el tiempo durante las travesuras de la votación. Nos recordaron cuán llenos de carácter son los músicos individuales de esta orquesta, y ese carácter brilló intensamente en el concierto principal de la noche de la orquesta.

La dolorosa nostalgia del Tercer Concierto para piano de Béla Bartók, compuesto por el gran húngaro cuando estaba mortalmente enfermo y a miles de kilómetros de casa, se debe en gran medida a la encantadora interpretación solista del clarinetista Ákos Ács y la flautista Anett Jóföldi.

Pero se debió aún más a la interpretación rica y madura del gran pianista húngaro Sir András Schiff. Schiff mostró una gran conciencia de los diferentes lados de esta pieza engañosamente suave, y de cómo la música cambia entre ellos en un momento: el elegante neoclasicismo, la sensación de himno del movimiento central, la estruendosa danza folclórica del movimiento final. .

Schiff no fue el único solista distinguido de la velada. La joven soprano alemana Anna-Lena Elbert hizo una aparición fascinante como la cómica jefa de la policía política secreta en una escena de la ópera absurda Le Grand Macabre de György Ligeti. La orquesta respondió de la misma manera a sus gritos enloquecidos pero perfectamente afinados, los percusionistas estrujando bolsas de papel con furia cómica e Iván Fischer lanzando algunos gritos sin sentido desde el podio. Merecidamente derribó la casa.

Después de toda esta nostalgia y nihilismo, la Sinfonía Heroica de Beethoven fue una explosión refrescante de una época en la que el futuro aún podía inspirar esperanza y confianza. Para resaltar esa cualidad, muchos conductores le dan a la pieza una velocidad y electricidad increíbles. Bajo la dirección más expansiva de Fischer y con el especial brillo orquestal centroeuropeo de la BFO, la inmortal sinfonía de Beethoven adquirió una amplitud épica pero aún emocionante.

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No hay duda: el Proms tiene el poder mágico de correr grandes riesgos y ser recompensado por ello. ¿En qué otro lugar del mundo acudirían 5.500 personas para ver una obra maestra modernista monstruosamente difícil, ensordecedoramente disonante y aplaudir al final?

Es cierto que esta obra maestra en particular, el Réquiem del compositor húngaro György Ligeti, cuyo centenario se celebra este año, tiene un gran factor a su favor: apareció en la banda sonora de la película más famosa del director Stanley Kubrick, 2001: Odisea en el espacio, y también medio conocido por millones. En este concierto estuvo junto a otras dos piezas que se hicieron famosas por esa película, la breve pieza coral Lux Aeterna de Ligeti y el vasto “poema tonal” orquestal de Richard Strauss Also Sprach Zarathustra.

En el escenario del Réquiem se encontraban nada menos que 284 músicos. Una Orquesta Filarmónica de Londres ampliada llenó la plataforma, y ​​detrás de ellos, en filas apretadas aparentemente interminables, estaban los cantantes del Coro Filarmónico de Londres, el Coro de Cámara del Royal Northern College of Music y el Edvard Grieg Kor, todos desde Bergen en Noruega.

En su atmósfera de terror y desolación, la obra de Ligeti parece un Réquiem por el fin de la religión. A veces sonaba como si todas las voces de la humanidad se unieran en un creciente murmullo de angustia, desgarrado por los chillidos de los metales, los bajos del órgano y los contrabajos que hacían temblar el suelo y silencios repentinos.

Para que esto pareciera impresionante en lugar de simplemente extraño, todos esos cientos de músicos tenían que ser muy nítidos en sonido y sincronización, lo cual ciertamente lo eran. Las dos solistas, la soprano Jennifer France y la mezzosoprano Clare Presland, conjuraron la asombrosa pureza del sonido, y el director Edward Gardner mantuvo una tensión eléctrica a través de esas explosiones y silencios profundos.

Después del intervalo llegó una pieza que mostraba una respuesta muy diferente al fin de Dios: el credo heroico del Superman de Nietzsche, tal como se expresa en Also Sprach Zarathustra de Strauss. Una vez más, Gardner siguió el ritmo de la narración con mucha astucia, avanzando desde esa famosa apertura de trompeta y órgano hasta la descripción que hace Strauss de la incansable búsqueda de Zaratustra de un nuevo tipo de fe.

El extraño final de la pieza de Strauss, interpretado por la LPO con luminosa perfección, suele ser el momento más evocador de cualquier concierto en el que aparece. Pero no aquí. Por pura extrañeza fue superada por la breve pieza coral de György Ligeti, Lux Aeterna, cantada por Edvard Grieg Kor desde algún lugar fuera de la vista, en lo alto del balcón. Parecía como si una Música de las Esferas heladamente pura pero de alguna manera tierna hubiera descendido al salón oscuro, y para mí fue el mejor momento de los Proms hasta el momento.

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El aspecto desafiante y contemporáneo de la música clásica es algo que el Festival de Edimburgo siempre ha abordado de puntillas, con un par de estrenos esparcidos aquí y allá para dar la impresión de un compromiso genuino. Hay que reconocer que el nuevo director del FEI, el magnífico violinista Nicola Benedetti, quiere cambiar eso. En su introducción previa al concierto de la Orquesta Sinfónica Escocesa de la BBC el domingo, habló de querer fomentar “una cultura de escucha más profunda” y lanzar una conversación sobre para qué sirve la “nueva música”: los valores que puede servir, los sentimientos puede crear.

Lo que siguió fue, de hecho, una lección inspiradora sobre cuán profundos pueden ser esos sentimientos. Escuchamos cuatro magníficas obras compuestas en las últimas décadas (la más nueva es de 2013, la más antigua de 1989) que hacen que la mente se acelere y el corazón lata más rápido. Las cuatro eran declaraciones desafiantes y de gran arte, inspiradas en esos pilares gemelos del ámbito de la música clásica: el arte y la naturaleza. La política no recibió mucha atención, lo que algunos dirían que dio una visión desequilibrada. Por ejemplo, una de las toscas piezas socialistas de Frederic Rzewski habría proporcionado un contrapeso útil a todo el esteticismo.

Pero la gran ventaja de la elección de Benedetti fue que las piezas, a pesar de sus diferencias, se unieron en un todo profundamente satisfactorio. Los dos que se inspiraron en la naturaleza fueron Virga, de Helen Grime, nacida en Edimburgo, inspirada en esa misteriosa lluvia que se evapora antes de tocar el suelo; y como si los pájaros, de la compositora estadounidense Elizabeth Ogonek. En cada caso, sonidos inmediatamente aprehensibles (nieblas en uno, gorjeos en el otro) brotaron hasta convertirse en algo rico y extraño, provocando sentimientos que normalmente permanecen intactos y conectándolos con estos aspectos del mundo visible.

Más abiertamente emotiva fue Three Screaming Popes de Mark-Anthony Turnage, que tomó la oscuridad desapasionada de las reimaginaciones de Francis Bacon del Papa Inocencio X del siglo XVII y las convirtió en algo casi alegremente violento y horroroso. Lo más conmovedor de todo fue Déjame decirte, del compositor danés Hans Abrahamsen, que imagina el rico mundo interior de Ofelia en Hamlet de Shakespeare. Estaba impregnado de melancolía y una gravedad tierna y solemne única en la música contemporánea, a la que el canto de Jennifer France le dio un toque penetrante y conmovedor.

Las actuaciones de la Orquesta Sinfónica Escocesa de la BBC bajo la dirección de Ryan Wigglesworth fueron magníficamente perfeccionadas y magníficamente apasionadas. Y si Benedetti y el locutor Tom Service, disponible para proporcionar comentarios de enlace, a veces se quedaban sin palabras, eso era bueno. Mostró por qué necesitamos la música: para decir todas esas cosas impalpables que las palabras no pueden alcanzar.HI

El Festival Internacional de Edimburgo continúa hasta el 27 de agosto. Entradas: eif.es

"¿A dónde vamos desde aquí?" es el tema elegido por Nicola Benedetti, violinista estrella y nuevo director del Festival Internacional de Edimburgo, para la edición de 2023, y el concierto inaugural del sábado por la noche sugirió una respuesta. Se dedicó a una interpretación de la enorme Pasión de Buda del compositor chino Tan Dun, cuyo mensaje no podía equivocarse: deshazte de tu ambición y tu deseo, y abraza el credo de compasión de Buda por todas las cosas.

Tan Dun forma parte de una nueva generación de compositores chinos que han construido carreras florecientes en Occidente. Quizás sea el más conocido de todos; ciertamente, ninguno está operando a tan gran escala. Esta Pasión sigue el modelo de las dos Pasiones existentes de JS Bach, que cuentan la historia de los últimos días de Cristo en la tierra. Se desarrolla como una serie de grandes coros que se alternan con números para voces solistas o a dúo, con una orquesta enriquecida por cuencos de agua chapoteando y cuencos de oración tibetanos que emiten un zumbido palpitante.

Sin embargo, una rareza de la Pasión de Tan es que, a diferencia de la de Bach, en la que Cristo y sus tormentos en la Cruz están continuamente presentes, aquí el Buda estaba curiosamente ausente. En realidad, poco se sabe sobre esta figura casi mítica, pero sí sabemos que encontró la iluminación después de presenciar el sufrimiento humano y mortificar su propia carne. La mayoría de los compositores aprovecharían las oportunidades que una biografía así ofrece para la oscuridad y el dolor, a fin de hacer más deslumbrante el clímax musical, pero Tan prefirió detenerse en otras leyendas sobre la vida de Buda y sus discípulos, como el compasivo Ciervo de los Nueve Colores, quien salva a un ser humano, pero luego es asesinado, en una parábola de la codicia humana.

Era difícil evitar la sospecha de que Tan hacía esto, en parte, para evitar estropear la calidad pintoresca de su música. La Pasión de Buda tiene sus raíces en la escala pentatónica utilizada ampliamente en el sudeste asiático, que históricamente se ha utilizado en Occidente para evocar una supuesta inocencia eterna: véase, por ejemplo, el comienzo de El Mikado de Gilbert y Sullivan. No obstante, la partitura de Tan estaba coloreada con innegable habilidad, mezclando elementos que a veces eran occidentales (como los acordes fuera de compás tipo Brahms en los instrumentos de viento), a veces orientales y, a veces, ambas cosas a la vez. Tanto en el punto medio como en el final, creó una impresionante, larga y lenta construcción hacia un enorme y abrumador clímax coral y orquestal.

Los intérpretes de esta pieza exigente fueron más que dignos de elogio. El Coro del Festival de Edimburgo y el Coro Juvenil de la RSNO tuvieron que dominar partes rítmicamente complicadas en mandarín y sánscrito, y los siete solistas estuvieron magníficos, sobre todo el laudista bailarín Chen Yining y la soprano heroica Louise Kwong. Lo más impresionante de todo fue el propio Tan en el podio, moldeando la actuación con una sensibilidad exquisita y una decisión llena de energía. ¿Fue todo un poco cursi? Sí, pero también fue profundamente conmovedor. El mensaje de compasión universal del Buda sigue siendo tan actual como siempre.HI

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Siempre se puede confiar en que los Proms reunirán algunas estrellas de la música clásica, y anoche ofrecieron dos: la pianista nacida en China Yuja Wang y el director de orquesta finlandés de 26 años que ahora es su compañero, Klaus Mäkelä. Si sumamos eso a la que quizás sea la pieza más querida de Rachmaninov, la Rapsodia sobre un tema de Paganini, tendremos un billete de ensueño. Parecía como si toda la audiencia estuviera grabando vídeos ilegales en sus teléfonos inteligentes.

Sin embargo, la impresionante maestría musical de Wang ocupó un lugar central. Cada variación de la famosa melodía de Paganini brillaba con sus especiales colores sombríos y brillantes. Wang tenía una manera seductora de dar a las sensuales curvas melódicas de Rachmaninov una peligrosidad felina. Siempre había un mordisco detrás de la caricia. En el podio, Mäkelä se aseguró de que la Orquesta Sinfónica de la BBC fuera tan aguda como el solista que tenía a su lado. Todo esto hizo que cuando llegara esa melodía inmortal tuviera aire de milagro, algo tierno y suave emergiendo de debajo de las garras, antes de que regresara el peligroso brillo. Después, Wang, claramente encantada con su entusiasta recepción, lanzó dos bises, incluido Tea for Two, y nuevamente fue la suave suavidad de su sonido lo que cautivó.

Aunque esto fue maravilloso, no eclipsó el resto de la noche. El estreno de la noche, Perú negro, una evocación de la canción y la danza folclóricas peruanas del compositor peruano Jimmy López Bellido, fue algo raro, una pieza abiertamente populista que logró ofrecer más que dinamismo. Es cierto que los movimientos armónicos subyacentes a la exótica percusión latina se acercaban notablemente al exotismo de Rimsky-Korsakov. Pero la exactitud de la imaginación orquestal de López Bellido, cada idea que parecía surgir del alma del instrumento para el que fue escrita, fue una alegría. Y sus ideas melódicas eran tan esculpidas y memorables como el inicio de una fuga de Bach.

¿Qué podría seguir a todo este esplendor y magia auditiva? Más de lo mismo, pero llevado al enésimo grado, fue la respuesta, cuando la BBC SO y el Coro se unieron para el descaradamente dramático Belshazzar's Feast del favorito de los Proms, William Walton. Ambos estaban en un estado de forma fantástico, ambos lo dieron todo bajo la dirección fascinante e incisiva de Mäkelä. El famoso barítono estadounidense Thomas Hampson parecía incómodo en el papel del narrador, que necesita una fuerza estentórea y un colorido escabroso que realmente no le sienta bien al más aristocrático de los cantantes. Aparte de eso, fue una actuación magnífica.HI

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Cada temporada de Proms trae su cosecha de piezas nuevas, casi todas encargadas por la BBC; y uno siempre espera que entre ellos haya un comodín, algo que apunte más alto que el brillantemente optimista y agradable al oído que tantas comisiones resultan ser.

La nueva pieza del jueves por la noche, en el tercero de los cuatro Proms de la Filarmónica de la BBC este año, obtuvo una puntuación alta sólo por su título: Kafka's Earplugs. Y las posibilidades de escuchar algo extraordinario parecían altas, ya que su compositor, el irlandés Gerald Barry, ha pasado toda su carrera siguiendo el consejo de Jean Cocteau de “ir siempre demasiado lejos”. Las piezas de Barry son escandalosamente ruidosas, maníacamente enérgicas y, a menudo, tremendamente divertidas.

Su idea, entonces, de evocar el mundo sonoro de Franz Kafka, un famoso escritor neurótico e inadaptado que intentó aislarse del ruido del mundo tapándose los oídos, estaba llena de potencial a la vez cómico y patético. Uno podría imaginarse a la orquesta imitando los sonidos de discusiones y risas escuchadas, y canciones populares checas y vienesas en el gramófono del vecino, todo escuchado confusamente, como filtrado a través de una gasa.

Esto es más o menos lo que obtuvimos, excepto que los sonidos carecían de patetismo o comedia. Nubes de melodía borrosa subían y bajaban, en tándem rítmico con líneas de bajo igualmente turbias, todo en un pianissimo fantasmal; Apenas hubo cambio durante 12 minutos. Lejos de ser divertida, la pieza de Barry fue un ejercicio de abstracción modernista despiadadamente austera. Al menos provocó un grito de “basura” por parte de la audiencia, mostrando que los Proms no se han hundido del todo en respetabilidad.

Después de Tapones para los oídos de Kafka, la rica calidez mediterránea del Concierto para violín de William Walton parecía un paraíso sensual, sobre todo porque la interpretación del solista James Ehnes era muy lírica. Ehnes no es un jugador contundente, pero no necesita serlo. Su tono era tan dulce, las difíciles escalas dobles tan perfectamente afinadas, que de todos modos dominó la orquesta.

Luego llegó la oportunidad de brillar para esa orquesta, con la Primera Sinfonía de Sibelius. Bajo la dirección vigorosa y enfática del director titular finlandés de la orquesta, John Storgårds, nos hicimos conscientes de la pura energía rebelde de la pieza, de la forma en que sus enormes contrastes de dirección y sonido se acercan peligrosamente a la incoherencia. Esto hizo que el brillante triunfo del movimiento final fuera aún más convincente, aunque el final –una retirada repentina a una tranquilidad íntima– fue una sorpresa. Aquí, en una sinfonía de hace más de un siglo, estaba el verdadero comodín de la velada.HI

Escuche este baile de graduación en BBC Sounds durante 12 meses. Los Proms continúan hasta el 9 de septiembre. Entradas: 020 7070 4441; bbc.co.uk/proms

En los 118 años de historia de los Proms ha habido muchas "primicias", pero quizás nunca nada tan extraordinario como lo que vimos en el Prom de anoche de la Orquesta Sinfónica de Bournemouth. El trompetista solista alemán Felix Klieser, un hombre nacido sin brazos, interpretó el Cuarto Concierto para trompa de Mozart con la ayuda de los dedos del pie izquierdo. Fue fascinante ver los dedos de los pies de Klieser moviéndose con la destreza y precisión de los dedos de la mano. Una vez que nos sentimos humildes y conmovidos por este ejemplo de determinación y talento que superó lo que parecían probabilidades imposibles, pudimos disfrutar de la musicalidad alegre y elegante de su interpretación, y la de la BSO temporalmente adelgazada. Esa fue quizás la razón principal. Este baile de graduación atrajo al 96 por ciento de los asistentes, lo que fue una prueba más alentadora de que el baile de graduación finalmente ha superado la tristeza post-Covid. Pero había mucho más por lo que conmoverse. El director titular ucraniano de la BSO, Kirill Karabits, ha enriquecido el programa de la orquesta con muchas piezas fascinantes y (para nosotros) desconocidas de Ucrania y la antigua Unión Soviética. Anoche nos ofrecieron uno: el Concierto para orquesta nº 1 del padre de Karabits, Ivan, subtitulado 'Un regalo musical a Kiev', y compuesto en 1981, cuando Ucrania estaba firmemente bajo el yugo soviético. A diferencia del estreno ucraniano que se escuchó la primera noche de Durante la temporada, que tenía un sabor místicamente utópico y ofrecía un refugio musical a los horrores que ahora azotan a Ucrania, la pieza de Karabits estaba arraigada en los sonidos y las vistas de la ciudad. Las campanas eran una presencia recurrente, especialmente en la alegre apertura, y los delicados arabescos descendentes, que evocaban el canto de los pájaros y el frescor de los claustros del monasterio. Estos pasajes reflexivos finalmente quedaron atrapados en una creciente grandeza (recuerden aquellas 'Grandes puertas de Kiev' en Cuadros de una exposición de Mussorgsky) que condujeron a través de una transición sutilmente lograda a una vigorosa sección final. Esto fue conmovedor pero menos distintivo musicalmente, y fueron los cantos de los pájaros los que perduraron en la memoria. Pero el núcleo emocional de la velada fue sin duda la sinfonía de Rachmaninov, que Karabits lanzó a un ritmo inusualmente lento, para resaltar su vasta melancolía, y la El clímax del movimiento parecía absolutamente desesperante. Todo esto, así como la energía oscura del segundo movimiento y el arrepentimiento del ocaso del tercero, produjeron una interpretación individual encantadora, incluso si las transiciones y los equilibrios eran a veces un poco toscos. El alegre movimiento final, cuando llegó, tuvo exactamente la sensación de una liberación largamente esperada.HI

Vea este concierto en BBC Four el domingo 13 de agosto. Vea y escuche Proms en BBC iPlayer y BBC Sounds durante 12 meses.

La música rusa abunda en la temporada de graduación de este año, una agradable señal de que el odio asociado a todo lo ruso ya no se extiende a la cultura rusa. El baile de graduación de anoche de la Orquesta Nacional de Gales de la BBC ofreció dos caras del genio musical ruso.

El primero fue ese extraño y fascinante mundo de Prokofiev, tan multicolor y cambiante como un arlequín. Su Concierto para piano n.° 3 es con mucho el más conocido de los cinco, y es el vehículo favorito de pianistas virtuosos y musculosos como Yefim Bronfman con un golpe en el antebrazo para rivalizar con Carlos Alcaraz. La solista de anoche, Isata Kanneh-Mason, la mayor de los fabulosamente musicales hermanos Kanneh-Mason, es más parecida a una sílfide que musculosa, y en ningún momento las cuerdas del piano estuvieron amenazadas.

Sin embargo, este concierto enormemente difícil claramente no la aterrorizaba. Como muestran sus grabaciones de Clara Schumann y “Childhood Tales”, Kanneh-Mason se siente especialmente cómoda con la música de tierna intimidad, y los raros momentos de tranquilidad en el concierto brillaban con esa cualidad, teñida con la magia de la caja de juguetes infantil que era todo El propio Prokofiev. Y soltó los virtuosos pasajes con palpable placer. Esa avalancha creciente de escalas al principio tenía la combinación perfecta de eficiencia acerada y emoción ingenua, y las variaciones diabólicas del movimiento lento tenían una rareza sonriente y cabriola. Fue un debut totalmente auspicioso en el Albert Hall.

Pero no debemos pasar por alto a la Orquesta Nacional de Gales de la BBC, que se encuentra en excelente forma bajo la dirección de su director principal Ryan Bancroft. Su única obra en el centro de atención fue la Quinta Sinfonía de Tchaikovsky, una pieza un tanto empañada por la pura sobreexposición, con una progresión desde la tristeza eslava hasta el triunfo estridente que puede parecer obvia. Bancroft estaba decidido a no ser obvio. El triste himno introductorio fue tan lento que pareció perder las ganas de vivir, que tal vez fuera la intención de Bancroft. Ciertamente hizo que la ansiedad inusualmente rápida y agitada del movimiento rápido se destacara aún más vívidamente.

A lo largo de todo el proceso, numerosas sutilezas revelaron la tensión problemática y anhelante de la música, gracias en parte a algunas interpretaciones individuales encantadoras (en particular, la trompa principal Tim Thorpe y el fagot principal Jarosław Augustyniak). Más tarde, la gran melodía de vals del tercer movimiento, donde la música finalmente sonríe, adquirió una frescura primaveral adicional, debido a los tempos flexibles y el fraseo elegante de Bancroft. Tantos detalles interesantes hicieron que el viaje fuera un tanto accidentado, pero la inteligencia y la fuerza emocional de la actuación nunca estuvieron en duda.HI

Vea este concierto en BBC Four el domingo 6 de agosto. Vea y escuche este baile de graduación en BBC iPlayer y BBC Sounds durante 12 meses. bbc.co.uk/proms